sábado, 18 de diciembre de 2010

APLICACIONES DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA EN CONTEXTOS ESPECIALES: ARTE Y CREATIVIDAD EN NIÑOS Y ADOLESCENTES HOSPITALIZADOS.




Manuel H. Belver, Universidad Complutense de Madrid 
mhbelver(arroba)art.ucm.es 
Ana M. Ullán, Universidad de Salamanca  




 El ámbito de aplicación de la educación artística ha evolucionado mucho en los últimos tiempos. De ser un área minoritaria y enfocada a contextos educativos, ha pasado a constituir una herramienta de actuación en numerosos campos donde antes no estaba presente o lo estaba de manera marginal. A ello han contribuido las investigaciones que, gracias al enfoque multidisciplinar de la educación artística, ha ampliado las posibilidades de utilizar el arte y la creatividad artística como apoyo al desarrollo humano.
 Uno de esos campos de actuación es, desde hace algún tiempo, el de los hospitales.


El objetivo de este artículo es presentar un proyecto de investigación multidisciplinar sobre creatividad infantil en contextos hospitalarios que estamos llevando a cabo en la actualidad entre el Departamento de Psicología Social y Antropología de la Universidad de Salamanca y el Museo Pedagógico de Arte Infantil, el MuPAI, de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. A este proyecto, y al grupo de investigación que trabaja en él, lo denominamos curARTE y nos gustaría exponer tanto sus planteamientos generales y los fundamentos del mismo como hacer una presentación de los resultados de las investigaciones que estamos obteniendo.

La idea inicial del proyecto curARTE fue desarrollar una serie de juguetes creativos especialmente diseñados para adaptarse a las limitaciones que, tanto la enfermedad, como las condiciones de diagnóstico y/o tratamiento de la misma en el marco hospitalario, puedan  suponer para los niños. A través de estos juguetes se intentaría favorecer el desarrollo de actividades creativas por parte de los niños hospitalizados proporcionándoles, por medio de los servicios de los hospitales, un material de juego creativo que se pueda utilizar en las condiciones restrictivas de salud y movilidad de un niño que permanece ingresado en un hospital.

Se trataría, en definitiva, de potenciar la realización de juegos creativos en los hospitales infantiles que, con los materiales de juego convencionales no adaptados, pueden ser  difíciles o incluso imposibles,  de llevar a cabo cuando los niños tienen que estar en cama, con goteros, aislados, etc...

El proyecto curARTE se articula, pues, en torno a dos ejes básicos. Por una parte, como se ha dicho, está el desarrollo de este material de juego creativo específicamente adaptado a las necesidades sanitarias y psicosociales de los niños hospitalizados. Por otra parte, pretendemos también valorar la incidencia que sobre el bienestar psicosocial de los niños en los hospitales puede ejercer el tipo de juego creativo promovido por el material de curARTE.


Un proyecto de esta naturaleza requiere articular, al menos, tres perspectivas como son la artística y creativa, la psicosocial y la perspectiva sanitaria. El carácter necesariamente multidisciplinar de curARTE se refleja en la diversidad de profesionales implicados en el mismo: creativistas y expertos en Educación Artística del MuPAI de la facultad de BBAA de la Universidad Complutense de Madrid, psicólogos sociales y antropólogos del Departamento de Psicología Social y Antropología de la Universidad de Salamanca y médicos y personal de atención sanitaria pediátrica de diversos hospitales.


La justificación del proyecto estriba en  los dos aspectos que lo fundamentan y que son, respectivamente, las dimensiones sociales y las consecuencias psicológicas de la hospitalización infantil.

Según los datos de la Encuesta de Morbilidad Hospitalaria del Instituto Nacional de Estadística durante el año 2001 (último año respecto al cual están los datos disponibles) fueron dados de alta en España  428.291 pacientes menores de 15 años. Estos pacientes pediátricos se desglosan, por grupos de edad, de la siguiente forma:


Total
Menores de 1 año
De 1 a 4 años
De 5 a 14 años

Total
428.291
157.290
122.201
148.800



Fuente: Instituto Nacional de Estadística
Copyright INE 2004

Según las mismas fuentes, se computaron en total, a lo largo del año de referencia, 2.201.257 estancias[1] hospitalarias infantiles en nuestro país que se desglosan en la tabla que sigue:

Estancias causadas por comunidad y grupo de edad.



Menores de 1 año
De 1 a 4 años
De 5 a 14 años
Total
1.082.771
491.717
626.769


Fuente: Instituto Nacional de Estadística
Copyright INE 2004

Resulta evidente que el paciente pediátrico tiene una representación considerable en los servicios hospitalarios, como, sólo a modo de apunte, recogen los datos del INE mencionados. Aún así, la preocupación sistemática por las necesidades psicosociales del niño hospitalizado (Palomo, 1999) es, relativamente, reciente. En 1986 el Parlamento Europeo propone la Carta Europea de los Niños Hospitalizados y en 1987 redacta una serie de recomendaciones para quienes participan en la "situación de hospitalización de un niño".   Muchas de las recomendaciones del Parlamento Europeo se refieren a las condiciones psicosociales que afectan al bienestar de los niños en los hospitales. De hecho se considera que la experiencia de la hospitalización, en sí misma, es una experiencia que puede tener importantes repercusiones negativas y ser altamente estresante tanto para los niños como para sus familias (Sierrasesúmaga, 1997).


Los principales efectos de la hospitalización en el niño tienen que ver con los cambios que ésta provoca en la vida cotidiana del niño (discontinuidad con sus actividades habituales, nuevo entorno y nuevas normas, pérdida de autonomía e independencia), con el malestar físico (dolor, cansancio, limitación de movilidad) y con las reacciones emocionales ( temor, problemas de imagen corporal, alteraciones del sueño…).  La angustia y el estrés aparecen como elementos muy ligados a los procesos de hospitalización infantil y como causas de gran variedad de síntomas que pueden condicionar de manera negativa el propio curso de la enfermedad del niño (Rodríguez Marín y Zurriaga, 1997).

En muchos hospitales se han puesto en práctica varias estrategias para ayudar a los niños hospitalizados, y a sus familias a superar el estrés que conlleva esta experiencia de hospitalización y sus consecuencias negativas (preparación psicológica, programas de afrontamiento, entrenamientos conductuales, etc.). El juego y el desarrollo de actividades creativas figuran entre las líneas propuestas para mejorar la calidad de vida de los niños en los hospitales.  El juego es un elemento crucial del desarrollo infantil. Jugar permite a los niños ir construyendo y consolidando el significado de su entorno personal y social, así como su propia identidad. Todos los teóricos del desarrollo coinciden en valorar en alto grado las aportaciones del juego a la evolución psicológica, cognitiva, social y emocional de los niños. Al jugar el niño se divierte, desarrolla recursos cognitivos y emocionales, aprende a resolver situaciones, a controlarse a sí mismo, su cuerpo y su entorno.

La relación entre juego y salud es especialmente significativa. Los propios niños lo entienden así. Para ellos “estar bueno” significa “poder jugar” (Robinson, 1987). Jugar para los niños es, en la práctica, sinónimo de bienestar y de salud. También, en cierta medida, lo es para sus padres, que tienden a sospechar problemas de salud cuando el niño no juega o disminuye su nivel de acostumbrado de actividad (Haiat, 2003).

Si para todos los niños el juego es una de las herramientas más poderosas para reducir la tensión, el enfado, la frustración, el conflicto y la ansiedad, esto resulta especialmente significativo en el caso de los niños hospitalizados. El juego les puede ayudar a comprender e interpretar mejor las imágenes, los signos, los sonidos y el lenguaje del hospital.

En la medida en que un niño juega, se transforma a sí mismo en un sujeto activo que crea reglas, desarrolla su imaginación, disfruta de sí mismo y libera sus sentimientos. El juego en el hospital representa   (Gottlieb y Portnoy, 1988) “un microcosmos del juego de los niños en general” resaltando como especialmente relevante, para los niños hospitalizados, la capacidad de los juegos para facilitar su expresión emocional y para proporcionarles sentimientos de dominio y de control. Por esta razón el juego se considera un recurso fundamental para mejorar los efectos psicosicales negativos  de su enfermedad y de la propia hospitalización (Bolig, 1991) tanto desde la perspectiva preventiva como desde la terapéutica. En este sentido el juego debiera ser considerado (Goldberger, 1988) como parte integral de los cuidados que han de recibir los niños en los contextos sanitarios y un elemento central en la humanización de los entornos pediátricos.
  
Y si hemos hablado del juego como recurso de bienestar y calidad de vida para los niños hospitalizados en el mismo sentido podemos referirnos a las actividades creativas. Existen importantes experiencias en al ámbito de la expresión artística infantil, que ponen de relieve  las repercusiones que las actividades creativas tienen en diferentes aspectos del desarrollo psicosocial. La creatividad es un valor en sí misma, pero también es un recurso psicológico muy valioso que incide en diferentes ámbitos de la experiencia y el bienestar del niño (véanse en este sentido Matthews,J., 1999; Hargreaves,D.J., 1991; Gardner,H., 1994 y 1993; Csikszentmihalyi,M, 1998; Sternberg, R.J. y Lubart, T.I., 1997; Hernández Belver, M., 2000; 2004). No tan reflejado en la bibliografía psicológica y pedagógica, pero cada vez más presente en las referencias bibliográficas médicas está la relación entre actividades creativas y salud, bien como indicadores de salud , o, lo que es más importante para el caso que nos ocupa, como recurso de salud. La promoción de la expresión artística de los pacientes se considera una vía para mejorar su salud física y mental  (Lane,M.T. y Graham-Pole,J., 1994) fortaleciendo sentimientos positivos, aliviando el estrés y ayudando a clarificar problemas existenciales (Gabriel, B. et al, 2001).

 Más allá de los enfoques tradicionales de arte-terapia, orientados al tratamiento de los problemas de salud mental, las actividades artísticas se entienden cada vez más como un recurso de apoyo para afrontar las difíciles situaciones vitales de enfermos y familiares. Especialmente con niños, el arte se reconoce como una herramienta poderosa para proporcionar apoyo psicológico y emocional: los niños pueden aprender a usar las artes como una estrategia saludable y efectiva para enfrentarse a los problemas derivados de diferentes enfermedades (Rollins,J.A. y Riccio,L.L., 2002).

   La constatación de esta asociación entre el desarrollo de la creatividad y el bienestar de los niños ha llevado a plantear  algunos programas de intervención en el ámbito de la salud infantil a diferentes instituciones nacionales e internacionales.

   Sólo como ejemplo, cabe destacar, en la Unión Europea, y dentro del marco del proyecto Cultura 2000, la iniciativa “Arte en el Hospital” en la que participan hospitales de diferentes ciudades europeas. El proyecto partió de la idea de un taller móvil en el hospital, mediante el cual artistas y niños hospitalizados trabajasen durante un tiempo para crear diversas obras. El objetivo era introducir el arte contemporáneo en los hospitales infantiles para humanizar su entorno, mejorar la acogida y la estancia de los niños que están en ellos, estimular su imaginación y su creatividad y favorecer el intercambio cultural europeo. Dentro de esta iniciativa cabe destacar algunos trabajos recientes, como el llevado a cabo en el hospital de La Paz de Madrid por Mª José Rueda, colaboradora habitual del MuPAI, y que se recoge en una de las últimas publicaciones promovidas desde este Museo, y relacionadas con este tema (H. Belver y Ullán, 2007).

Estas experiencias reseñadas indican que las actividades de juego y expresión artística pueden ser una forma de mejorar la calidad de vida de los niños hospitalizados, pueden ayudarles a afrontar el estrés de las circunstancias en que se encuentran (enfermedad, alejamiento de su entorno habitual con las pérdidas que ello conlleva, etc), y contribuir al proceso de humanización de los entornos hospitalarios pediátricos.


A partir de estas ideas el proyecto curARTE se plantea como una secuencia de tareas de investigación, diseño, intervención y evaluación que se puede apreciar en las diferentes fases generales del proyecto. De forma resumida el desarrollo del proyecto curARTE se ha planteado siguiendo las fases que se especifican en el esquema:




Las dos primeras fases, el estudio de campo sobre las condiciones de la hospitalización infantil respecto al juego y los talleres de creatividad infantil del MuPAI, son las que, hasta el momento, están más avanzadas.

Durante el año 2004, y con financiación de la Consejería de Sanidad de la Junta de Castilla y León, se llevó a cabo un análisis pormenorizado de las condiciones de la hospitalización infantil en los 14 hospitales de las nueve provincias de esta Comunidad Autónoma. Los resultados se recogieron en el informe titulado LOS NIÑOS EN LOS HOSPITALES DE CASTILLA Y LEÓN: DISPOSICIÓN Y ORGANIZACIÓN DE ESPACIOS, TIEMPOS Y JUEGOS EN LA HOSPITALIZACIÓN INFANTIL EN LA SACyL, que está disponible en la página web de la Consejería de Sanidad.

Esta investigación se proyectó para conocer las posibilidades reales que tienen los niños hospitalizados en el sistema sanitario de Castilla y León de llevar a cabo actividades de juego creativo. Se trataba, básicamente, de realizar:

a) un análisis de espacios hospitalarios que permitiera determinar dónde pueden jugar los niños en las unidades pediátricas de los distintos hospitales;

 b) a la vez, se planteó también la realización de un análisis de las organizaciones temporales de las unidades pediátricas hospitalarias para saber  cuándo pueden jugar los niños hospitalizados;

c)  y, finalmente se trataba de analizar las oportunidades y recursos materiales y humanos de juego creativo disponibles en los hospitales para uso de los niños, esto es, con qué y con quién pueden jugar los niños hospitalizados.

Este estudio fundamentó un diagnóstico de las unidades pediátricas hospitalarias, en relación con sus posibilidades de desarrollar programas de juego creativo como recurso de bienestar y de atención integral a los pacientes pediátricos y a sus familias, y durante el año 2005 se amplió la muestra de hospitales a otras Comunidades Autónomas en una selección de hospitales infantiles de referencia nacionales.

Este trabajo de campo sobre las condiciones de la hospitalización infantil se desarrolla de forma simultánea con los talleres de creatividad infantil del MuPAI, de manera que podamos obtener información coordinada para el desarrollo del proyecto.

A partir de la información que nos proporciona el estudio de campo sobre las condiciones de la hospitalización infantil y los talleres de creatividad del MuPAI  se están realizando las propuestas específicas de juegos creativos para llevar  a cabo los desarrollos técnicos de los juguetes.
 Hemos podido bosquejar las líneas generales a que deben responder los materiales de juego creativo hospitalarios que seguidamente se exponen. Ya disponemos de los primeros prototipos de estos materiales con la financiación del Programa Nacional de Ciencias Sociales del Plan Nacional de Investigación Científica, Desarrollo e Innovación tecnológica de la Dirección General de Investigación del Ministerio de Educación y Ciencia.


Estas líneas generales mencionadas, a las cuales deben responder los juguetes de curARTE, las describimos como una serie de características de los mismos que voy a ir detallando.

La primera característica que deben cumplir nuestros juguetes es la de potenciar el desarrollo de actividades creativas por parte de los niños. Y esto por dos razones que ya hemos expuesto. La primera son los beneficios cognitivos y emocionales que este tipo de actividades implican a nivel general.

La segunda razón tiene que ver con la capacidad de las actividades creativas de incidir positivamente en la salud. Este tipo de actividades demandan de la persona que las lleva a cabo una postura activa: crear implica poner en funcionamiento recursos cognitivos, emocionales y comportamentales.  En un hospital los niños ven muy limitada su capacidad para desarrollar una vida activa. Sus circunstancias de salud y las necesidades derivadas del tratamiento promueven más bien una actitud pasiva por parte del “paciente” pediátrico. Sin embargo, para los niños estar activos resulta vital: cualesquiera que sean sus circunstancias, para el niño crecer y aprender es hacer, y esta actividad es una parte esencial de su bienestar. Promoverla, en las restrictivas condiciones a que se enfrenta un niño hospitalizado, es un elemento fundamental del material de juego que proponemos.

  Así pues, como primera nota esencial de nuestros juguetes señalamos su capacidad para estimular la actividad de los niños, que los niños puedan hacer cosas, y cosas creativas, cuando están hospitalizados. La segunda característica es que los JUGUETES deben ser PERSONALIZADORES. Una de las consecuencias de la hospitalización es la pérdida de referencias personales que conlleva: se pierde el espacio propio, los objetos cotidianos de cada uno... Incluso algo que tiene tanta importancia en la definición de la persona como es la propia ropa también se pierde, en lo que dura la hospitalización, por la necesidad de usar los “uniformes” hospitalarios higiénicos.  Todas estas pérdidas de intimidad nos llevan a pensar lo beneficioso que podría ser para los niños que, los propios juguetes, les pudieran proporcionar experiencias de “personalización”, de identificación distintiva, de marcar, con signos propios, el entorno que rodea al niño hospitalizado. Las creaciones artísticas cumplen perfectamente esa función de identificación de los espacios y los contextos en que se colocan. El arte, tradicionalmente, se ha utilizado para distinguir lugares y personas. Si se han mencionado los beneficios psicológicos del proceso de crear, ahora nos referimos a la utilidad psicológica de los productos creados: pueden servir para decorar el entorno hospitalario, desde la cama del niño, la habitación, los pasillos, la propia ropa... con lo que ello implica de identificación personal y apropiación psicológica de este entorno. Pensamos que los juguetes de curARTE  deben ser capaces de crear pequeños “espacios personales” para los niños en el contexto del hospital: tanto por la propia concepción de los juguetes, como por su uso y los resultados o productos de las actividades que promueven.

 

 La enfermedad y el tratamiento tienen importantes implicaciones en los procesos psicológicos de autorreferencia. Especialmente en aquellos que tienen que ver con la autoimagen y con los sentimientos de autoeficacia. Los juguetes creativos hospitalarios y las actividades lúdicas que promueven deberían incidir positivamente en estos aspectos cruciales del bienestar psicológico de los niños hospitalizados, reforzando sus sentimientos de capacidad. Hay que resaltar la importancia de trabajar los aspectos de autoeficacia y autoestima en el contexto hospitalario, puesto que las propias circunstancias de la enfermedad constituyen, precisamente, una experiencia muy negativa en este sentido. Y lo mismo sucede con aquellos procesos psicológicos vinculados a la autoimagen, en su dimensión corporal. Bien porque la enfermedad afecte, obviamente, al aspecto físico de los niños, bien porque el tratamiento implique deterioro de su apariencia física, como en el caso de las terapias oncológicas, cualquier recurso que sirva para mejorarla adquiere, en el contexto hospitalario, mucha importancia. 

La siguiente característica se refiere a la dificultad de los juegos promovidos por el material de curARTE. Si la dificultad de los juegos siempre ha de tenerse en cuenta para adecuar éstos a las características y niveles de desarrollo de los niños, mucho más en el caso de juegos y juguetes para niños hospitalizados. Las particularidades de la enfermedad y del tratamiento pueden afectar, y mucho, a las capacidades de los niños que pueden sufrir de oscilaciones notables (porque se encuentren cansados, molestos, con dolor, etc.). Por esta razón, un mismo juego o juguete deberá abarcar un rango lo suficientemente amplio de dificultad como para que sin cambiar de juego, puedan servir para cuando el niño se encuentre mejor, pero también cuando está más fatigado, menos concentrado, etc. Esto puede lograrse a través de materiales de juego de “amplio espectro”, es decir, con juguetes que pueden utilizarse a diferentes niveles de dificultad para que sea el niño, en función en este caso de su estado de salud, quien seleccione el nivel que mejor se adapta a sus requerimientos.

Una de las peculiaridades de las situaciones de hospitalización es la gran cantidad de tiempo “desocupado” del que disponen los enfermos mientras se desarrollan las pruebas diagnósticas o los tratamientos. Esto constituye una importante dificultad psicológica pues favorece el estrés y la angustia ligada a estas situaciones de enfermedad, en las cuales, apenas nada puede hacerse más que “dejar pasar el tiempo”. Para evitar estas consecuencias negativas del tiempo “desocupado”  las actividades lúdicas son un recurso muy importante de cara al bienestar de los niños enfermos.  Los materiales del proyecto curARTE estarían pensados como recurso para ocupar buena parte del tiempo de espera en los hospitales promoviendo actividades “lentas”, es decir, actividades que requieran de bastante tiempo para desarrollarse (una ventaja frente a la vida cotidiana habitual de los niños en la que no siempre disponen de tanto “tiempo”).

Además, las actividades lúdicas promovidas por los materiales de este proyecto deben requerir un grado de atención lo suficiente como para poder contrarrestar el estrés asociado a los procesos de hospitalización.  Si el niño consigue implicarse en una actividad que demande de él recursos atencionales y cognitivos suficientes, esto puede aliviar el estrés al resultar incompatible con otro tipo de comportamientos o procesos mentales. Así pues, las actividades propuestas por los materiales de juego deben ocupar el tiempo de los niños, ocupando sus mentes, distrayéndolas de otros estímulos estresantes, tanto internos (sus propias sensaciones corporales como dolor, malestar, etc.), como externos (aparatos, material hospitalario, etc.).

Los resultados de las actividades de los niños con los juguetes propuestos deben ofrecer refuerzos muy rápidos.  Dadas las dificultades psicosociales de los niños enfermos y hospitalizados, estos necesitan rápidamente refuerzos a sus comportamientos, de manera que se establezcan patrones de conducta positivos lo más deprisa posible.  Los refuerzos, además, han de ser tanto materiales –en este sentido los “productos” de los juegos son muy importantes-  como sociales. Las actividades creativas proporcionan un contexto muy favorable para estos refuerzos: al niño le gusta mucho ver sus propias creaciones y también el que estas sean admiradas por los demás.

 
Cuando un niño está hospitalizado, la mayor parte de sus interacciones se producen con adultos, con  los familiares que le cuidan y  con el personal sanitario. También se puede relacionar con otros niños del hospital, pero esas relaciones están supeditadas a la permanencia de todos los niños en el centro sanitario y no tienen la estabilidad de las relaciones escolares. De esta manera,por ejemplo, los juegos de los niños en el hospital muchas veces requieren de la participación de compañeros “adultos”. Si las actividades propuestas pueden implicarles a ellos, suscitar su interés, sin duda esto contribuiría al bienestar de ambos, de los niños y de los adultos. Este proceso sería especiamente importante en el caso de los padres que, con la hospitalización de los niños, sufren de un estrés muchas veces más intenso que los propios niños. De hecho, si los juegos creativos consiguieran, en este sentido, promover la participación activa de los padres en los mismos –por ejemplo a través de pequeños programas de formación y apoyo- podrían resultar psicológicamente beneficiosos para toda la unidad familiar. Así pues, los juguetes de curARTE deberán proponer actividades que puedan llegar a suscitar el interés también de los padres, bien por los resultados, bien por el propio proceso creativo, de manera que puedan encontrar en ellas un apoyo ocupacional compartido con sus hijos.



La complejidad de la organización hospitalaria y de las funciones que desarrolla hace necesaria una adaptación de todo el material de juego para que éste no interfiera en el desarrrollo de dichas funciones.  Así, los juguetes no deberán obstaculizar las tareas del diverso personal sanitario que atiende a los niños (por ejemplo porque se desperdiguen piezas por la cama o por las habitaciones, o porque manchen las ropas o las instalaciones sanitarias).

Finalmente los juguetes de uso hospitalario deben cumplir una serie de requisitos, tanto en aspecto externos como en los materiales de que están fabricados. En el estudio llevado a cabo por AIJU, el Instituto Tecnológico del Juguete de la Comunidad Valenciana (Costa, Romero y Torres, 2.000) se especifica al respecto que el tamaño  tiene que estar controlado (no muy grandes), el peso no resultar excesivo, el mecanismo de funcionamiento adaptado para su uso en limitadas condiciones de movilidad porque los niños deban permanecer en cama, con goteros, etc. En el mismo estudio, con respecto a las características de los materiales con los cuales están fabricados los juguetes, se señala que el aspecto que requiere una mayor atención es la posibilidad de limpiar, desinfectar y, si fuera necesario, esterilizar los juguetes (véase de nuevo el trabajo de Costa et. al, 2000). Para lo que los materiales con que estén fabricados los juguetes han de ser capaces de soportar estos procesos físico-químicos.


Como hemos dicho, el desarrollo efectivo de los juguetes que respondan a estas características, está en sus fases iniciales. Pero una vez llevado a cabo el estudio de campo en los hospitales infantiles al que me he referido,  nos pareció interesante poner a disposición de los niños hospitalizados, a través de internet, no sólo los recurso del MuPAI, sino una página web específicamente diseñada para responder a sus necesidades psicosociales de juego y creatividad, con la misma filosofía del proyecto que  se ha expuesto.  La concepción de la página es del grupo interuniversitario de investigación y su diseño y desarrollo de la profesora Noemí Avila. La dirección de la página es www.ucm.es/info/curarte y su idea es promover la creatividad y las actividades artísticas como recurso de bienestar psicosocial paralos niños hospitaliados y sus familias. Sus cuatro perfiles de usuario –niños, personal sanitario, padres y educadores- están orientados a este fin.

 Finalmente, el proyecto ha ido creciendo, abarcando también el estudio al grupo de adolescentes hospitalizados, un grupo de población generalmente olvidado en este contexto. A través de varias financiaciones en estos últimos años, se ha llevado a cabo una serie de talleres y estudios en diversos hospitales que han ampliado sensiblemente los objetivos y los logros del proyecto inicial.



Referencias bibliográficas:


Belver, M. H. Y Ullán, A. M. (2010). Symbolic environmental mediators in health settings: The role of art in the humanization of children’s hospitals. Arte, Individuo y Sociedad, 22 (2), 73-81.


Belver, M. H. y Ullán, A. (2007). La creatividad a través del juego. Salamanca: Amarú.           


Belver,M. H. et. al. (2005). Arte infantil y cultura visual. Madrid: Eneida.


 Belver,M. H. et. al. (2004). Arte Infantil y Creatividad. Madrid: Editorial Complutense.


Bolig,R. et. al. (1991). Medical play and preparation: questions and issue. Children´s Health Care, 20 (4), 225-9.

Costa,M. et. al. (2000). Juguetes en el hospital: carácterísticas materiales, higiene y desinfección. En Costa,M. (coord). El juego y el juguete en la hospitalización infantil.Valencia: Nau Llibres.

Gabriel,B. et.al. (2001). “Art therapy with adult bone marrow transplant patients in isolation: a pilot study”. Pychooncology 10 (2), 114-23.

Goldberger J. Issue-Specific Play with infants and toddlers in hospitals: rationale and intervention. Child Health Care 1988,16(3), 134-141.

Gottlieb,S.E. y Portnoy, S. (1988).The role of play in a pediatric bone marrow transplantion unit. Children´s Health Care, 16 (3), 177-81.

Haiat,H. et al. (2003). The world of the child: A world of play even in the hospital. Journal of Pediatric Nursing. 18 (3). 209-214.

Hargreaves,D.J. (1991). Infancia y educación artística. Madrid: Morata.


Lane,M.T. y Graham-Pole,J. (1994). “Development of an art program on a bone marrow transplant unit”. Cancer Nurs 17 (3), 185-192.

Matthews,J. (1999). The arts of Childhood and Adolescence. The Construction of meaning. London: Palmer Press.

Pascale, P. y Ávila, N. (2007). Una experiencia de creatividad con adolescentes hospitalizados. Arte, Individuo y Sociedad, 19 (1), 207-246.


Palomo, P. (1999). El niño hospitalizado. Características, evaluación y tratamiento. Madrid: Pirámide.

Robinson,C.A. (1987). Preschool children´s conceptualization of health and illness. Children´s Health Care, 16, 89-96.

Rodriguez Marín,J. Y Zurriaga, R. (1997). Estrés, enfermedad y hospitalización. EASP, Escuela Andaluza de Salud Pública. Consejería de Salud: Junta de Andalucía.

Rollins,J.A. y Riccio,L.L. (2002). “ART is the HeART: a palette of possibilities for hospice care”. Pediatr Nurs 28 (4), 355-63.

Sierrasesúmaga,L. et. al. (1997). La discontinuidad del paciente oncológico. Información a los padres y/o niños oncológicos. En Lizasoáin,O. Et. al. (eds) La discontinuidad en la vida del niño enfermo y hospitalizado. Una respuesta desde la pedagogía hospitalaria. Pamplona, New Book Ediciones.

Ullán, A. M. Y Belver, M. H. (2005). Los niños en los hospitales. Madrid, Témpora.

Ullán, Am. Y Belver, M. H. (2008). Cuando los pacienters son niños. Madrid, Eneida.












[1] La estancia se define como la fecha de alta menos la fecha de ingreso, no computándose estancias igual a cero.

Situation of the arts; Experience in quality arts education as a tool for social inclusion.



Orlando Graves Bolaños  
   gravesbolanos(arroba)gmail.com


 It is mere ignorance that leads then to the supposition that connection of art and esthetic perception with experience signifies a lowering of their significance and dignity. Experience in the degree in which it is experience is heightened vitality. Instead of signifying being shut up within one’s own private feelings and sensations, it signifies active and alert commerce with the world; at its height, it signifies complete interpenetration of self and the world of objects and events. Instead of signifying surrender to caprice and disorder, it affords our sole demonstration of a stability that is not stagnation but is rhythmic and developing. Because experience is the fulfillment of an organism is its struggles and achievements in a world of things, it is art in germ. Even in its rudimentary forms, it contains the promise of the delightful perception which is esthetic experience.[i]                  —John Dewey


Dewey published “Art as Experience” in 1934, Menuhin was 19 years old and was already completing his first world tour as a professional violinist. As[ii] World War II was coming to an end, 10 years later, Menuhin was well under way to performing over 200 concerts for the allies and in collaboration with the International Red Cross, including performances in those concentration camps where atrocities of the war took place. It is only speculation whether Menuhin was familiar with Dewey’s work, but even from a casual glance, we can easily see that there are similarities in their work. Imagine that at the age of 30, for Menuhin, the experience of introducing his splendid music into such a desolate atmosphere must have been life changing. In fact, there is evidence that those postwar performances were, reflected in the causes that he took upon himself to defend throughout the latter part of his life. Clearly his defense of the impoverished and downtrodden made him a controversial figure, but also highly respected through many recognitions, including the 1997 Prince of Asturias award for Concord along with his friend Mstislav Rostropovich.
Menuhin went on in the early nineties to translate his worldview into a working methodology and infrastructure to provide children with quality art education and experiences which he coined MUS-E®[iii]. MUS-E means “European Music” but over time the meaning has come to signify so much more than that, even Menuhin realized early on in his project that he would need to count on the inclusion of all the artistic disciplines and not just that of music. During this time, Menuhin started three foundations under his name including the Yehudi Menuhin Foundation Spain which began its journey in 1998[iv].  Along with the infrastructure, Menuhin[v]  also devised the MUS-E philosophy with a number of objectives in mind. He envisioned mutual knowledge and respect for other cultures through intercultural artistic activity[vi]. The need to establish cohesive and creative social situations and to especially provide the classroom with the spirit and knowledge of the artist as a tool to complement and add to that of the teacher. This art “tool” is centered on the creative process that takes place and how it can be applied to a group’s cohesion and relationships. The tool is also applied to reinforcing academics as varied as mathematics or literature. Although the activities are based on the achievement of artistic goals by the whole group, in some cases we are aware that art can have therapeutic benefits as well. This is, in fact, a collaborative philosophy because; generally speaking there is often a divide between the personalities of artists and teachers. MUS-E overrides the differences that occur between external educators and those that work within the public school system so that difference can be realigned in a positive light. Menuhin was quoted on more than one occasion for asserting that “if we were all the same we wouldn’t have anything to offer one another”.

Therefore, this general philosophy is applied in Spain through the MUS-E program which inserts professional artists from a variety of disciplines; fine arts, music, theater, dance, yoga, traditional martial arts and circus performers. These artists are then inserted into the classroom having in consideration the characteristics of their respective disciplines and how they might be of benefit to the children of that particular classroom.  For example, we all have observed or experienced firsthand the moment in primary education when boys and girls pass through a phase in which they are uncomfortable with the opposite sex, in some cases these attitudes are reinforced, establishing undesirable behaviors later along in our adult lives. Through the program, we can envision the use of dance, where the intrinsic qualities of the discipline such as cooperation and the physical contact would allow us to naturally overcome negative attitudes and behaviors. Imagine when we dance, how natural it is to join hands in choreography, so the creative process allows us to obtain artistic, academic and behavioral goals simultaneously.

In this chapter, I would like to present how the MUS-E program in Spain has evolved based on some of the strengths that make it a worthwhile model for art educators and tendencies that can be observed from my privileged position as an artist working within the organization.
 are three basic characteristics that are essential. First, the continuity of the program, which provides multiple artistic workshops on a weekly basis throughout the school year.  It is curious to note that when Dewey wrote extensively about experience and education, including his 1938 lectures on the issue, he coined the term “experiential continuum”, which are those learning experiences that motivate us to continue on to others. Menuhin was on target, promoting a MUS-E program that allows a child to interact with the arts throughout the school year, within school hours, and for the entirety of his primary schooling. Receiving this artistic instruction throughout the years he is enrolled in that school covering ages from 5 to 12. Quality arts education is always in danger of being discarded from official curricular activities and this seems to be a generalization that fits with the state of education in the western world. So, to provide weekly work sessions with professional artists is a big jump in the quality of artistic education. Schools that participate in the program are all identified by their diversity be it economic, cultural, ethnic, or related to mental or physical disabilities.
Secondly, the artist is working within school hours. This is important to highlight because it allows for a collaborative artistic effort to take place with all the students present, benefiting the largest possible number of children. No one is left out, which unfortunately is a major disadvantage of structuring arts education outside of school hours. Considering “respect for diversity”, “intercultural coexistence” and “teamwork” among the program’s priority objectives it is only natural that the work take place in a time frame that allows us to work with the majority of diversity present in today’s Spanish schools.  Thirdly, we are speaking about external professional artists who dedicate part of their time to collaborate within the schools framework.  Their work as artists’ complements that of the educator establishing a partnership that is ideal, in that it mimics those very same behaviors that we request from the beneficiaries of the program. Principally, teamwork and respect for others. Since children learn from example, the leadership of two distinct role models and their planning is crucial to establishing a road map of creative activity that is engaging, fun, and meets specific needs of that particular classroom. For instance, a classroom of very active children might adjust particularly well to dance but react adversely to the reflexive nature of the visual arts. This is not to say that these children would never come into contact with the visual arts, the mindset is to engage students and to establish a space where active participation and enthusiasm are present. Through the evaluation procedures that take place throughout the school year, collective decisions can be made to steer the group in different directions and towards different artistic experiences. Other unforeseen benefits have appeared from these collaborations, such as an increased use of the arts within the classroom by non-art teachers, as well as an increase in collaborative methodologies and a heightened awareness in pedagogical innovation[vii]. It is also important to note the background of many artists reflects the diversity of Spain’s own multicultural reality as well as that of new immigrants. These diverse artists also bring new definitions of the arts to the classroom and I have found that they are using additional inspiring tools for working with children in applying such disciplines such as Reiki, Gestalt, and Yoga.

Artist-Teacher Relationships

If we pick apart this relationship artist-teacher, at its best, we can observe the core of the foundation’s success. Before children are even present, artists and teachers come together at the beginning of the school year to design and implement the programmed artistic activity; this partnership will continue on through till the end of the year to evaluate as a team the artistic projects that took place, with a focus on the attitude and behavior acquisitions of the participants. This allows for the creative process to serve both artistic and other academic masters. Imagine that we are dealing with a group of adolescents who are participating in the MUS-E program, we might choose with the students a mural project at the beginning of the year, but this would lead us to study the art history of the mural touching on the works of Rivera, Orozco, and Siqueiros. This could be a perfect stepping stone for a teacher to work out a lesson plan on world history. It would also probably lead us to the social history of art and to reflect with the group on the type of message we want to transmit through our collective mural project; simultaneously introducing a value or emotion that would permeate the images of our mural. It would also lead us to design a message that appeals or responds to the schools community, opening up communication between classmates of different age groups and preparing the way to intergenerational collaborations. Trans-disciplinary academics would also be present so that mathematics would be necessary to calculate surfaces and quantities of paint. The work with students would also include an inclusive process that would ensure that all the participants’ ideas be included in the subject matter and in the actual execution of our proposed mural. There would be a democratic process to choose drawings and propose strategies and there would be equal space for modification and general consensus building. Therefore, at the end of the school term we could find ourselves with a mural in which all students have participated fully and where their collective determination has been represented allegorically as a finished product. Some readers might be familiar with other mural making programs; I personally have always been fascinated by the work of Judy Baca who has been at the forefront of mural making with youth in California since the 1970s. I believe she would agree that using the word “teamwork” is not as important as actually taking advantage of the intrinsic qualities of the mural making process to actually be a team. MUS-E has the advantage that one day it can be a mural and another it can promote the same collective spirit through a musical or a short film, we take advantage of the subversive nature of the arts[viii] to provide us with an excuse to work together. This artistic excuse is present in the relationships within the program of the teachers-artists-students, but is also reaches upwards to influence administrators and decision makers.

As the program has evolved in the past 10 years we have found an increase in the level of teacher participation within the artistic session, this latest evaluation cycle indicates 95% of all teachers involved in the program participate actively in the workshops[ix].  This can truly be a refreshing moment for a teacher as they are able to observe their children while an artist is leading the class, allowing them to see their students in a new light. They may observe that some students excel in artistic and creative endeavors over, let’s say, reading or math, this new facet that is exposed to all, enables us to readjust our opinions on the particular student, and surely ties in with Gardner’s groundbreaking work with Multiple Intelligences. Quite possible I am being a little overdramatic to think that the arts will effectively replace all negative connotations that we have attached to out student’s potential[x], however the future of arts programs will necessarily need to achieve this. In any case, there are direct benefits, which have already been clearly detected which include student’s recognition of a tendency to improved self-esteem and increased sociability. Another indirect benefit that comes from the artist-teacher relationship is it also enables teachers the opportunity to learn how to apply the arts to the everyday routine of the classroom.
Let's face it, we adults ask students to behave many times in a way that we adults are incapable of handling appropriately; this can be due to a number of factors including poor communication, lack of empathy… We often desire, as educators a quiet and attentive classroom. Curiously, when you get a group of teachers together they present the very same behaviors that they normally would find sanctionable in their own classrooms. So as teachers participate in the program actively they often have time to see how classroom management is facilitated through the arts. Once again I recur to Dewey on this issue as he discussed more eloquently the ever present preoccupation of every educator on how discipline should be present in the classroom. “Now, the general conclusion I would draw is that control of individual actions is affected by the whole situation in which individuals are involved, in which they share and of which they are co-operative or interacting parts. For even in a competitive game there is a certain kind of participation, of sharing in a common experience.” Clearly MUS-E helps to mediate collaborative energies that help focus children on a more civic minded discipline over that of a top down traditional disciplinary scheme.

Student Relationships

I have stressed the teacher-artists relationship within the program as a cornerstone to success. But how does that benefit the students? Leading by example is fundamental; we do not have to fall into stereotypes like an artist as a bohemian, with long hair or a teacher characterized as an astounding order freak. What can be easily understood is that these individuals come to the table with distinct educational histories and labor experiences that are mutually complimentary. So when a child observes consensus and a generosity among the adults he is working with he will be more apt at emulating his role models. It is also important to note that a diverse student body should find itself in front of a diverse artistic and teaching faculty. Intercultural coexistence within the program is a reality not only because we speak about it but because we live it daily. Returning to the issue, we have a teacher who is with his students perennially, so he knows their background and behaviors. On the other hand we have an artist with an in-depth knowledge of his discipline and the sufficient preparation to put his knowledge to the service of the classroom including the ability to modify or improvise changes on the spot that will benefit the dynamics of the classroom. For this to take place previous meetings must take place but also within the workshops communication is essential. After class and students[xi] objective team analysis must lead us from the emotional experience of art making to the analysis of group behavior. Tough questions must be analyzed. Are we changing attitudes? Are we changing behaviors? Are we creating critical thinkers? Are children more creative or do their social skills improve? How are these lessons applied to learning other curricular subjects such as science and math?
As class comes to an end group analysis takes place leading to how emotions and creativity have altered behaviors and lead to artistic products. MUS-E is able to itself constantly and this is important.

Quality Experience

So as the organization looks to the future, I have some personal impressions that would be applicable to the arts education community in general, at least within the context of Spain and the European Union. Please bear in mind that non governmental organizations in Spain are generally quite young, having and average age of 15, so you could say that many organizations are still in diapers and are somewhat ill equipped to run organizations that do more than just attend to their beneficiaries. This could very possible be because Spain’s NGOs are financed almost entirely by the public administration to a great extent the terms of this funding are so focused on beneficiaries it leaves organizations in a permanent precarious state as they attend to beneficiaries with state funding. Juggling the inevitable ironies of serving underserved sectors of the population with funding from government agencies that should also be actively engaged with these groups.  NGOs have this in common with public schools which share this critical disadvantage in funding and infrastructure to properly inform and report their activities to their constituents. In this day and age with an excess of information circulating around us, a concerted effort to effectively pinpoint those who would benefit from our initiatives is in order, this is a responsibility of our organizations; equally important is to find those allies within the community that can serve as advocates and sponsors to our activities.  Visibility of the artist and his activity is an area of expertise for Gregory Shollette who has worked both as artist and as an academic in collective art groups and activism. Shollette appropriated the scientific term dark matter[xii] to describe the untold number of artists whose work is never recognized or visualized, but sustains economic markets and promotes consumption of the arts, then sustains our latest Hollywood actress or a hip Chinese sculptor just as dark matter defines that which sustains a star in the sky.
Within art education programs such as MUS-E, we need to visualize the work of the children, find publishers willing to publish this work and galleries and theaters willing to help in this campaign for visibility. In Birmingham England we can find an excellent example of this type a focused visibility with the work of Sound Futures[xiii]  where their partnerships enable them to provide professional recording studios for adolescents involved in their programming to achieve a high level of excellence that is then celebrated through publication and events that give the youngsters a boost of self esteem. These public celebrations only enhance the creative process with the community.  Surely these are initiatives that raise awareness and also create tomorrows spectators, through habits witch promote a healthy cultural consumption. Let us recognize both socially oriented art and also promote the consumption needed to properly promote the varying arts industries. As we promote the art and the responsible consumption of art on different levels we are essentially shining a light on those individuals that compose the “dark matter” of the arts.  This requires creativity and arts excellence. In the social sectors there seems to be an unbridled enthusiasm for all things artistic, but this enthusiasm wanes when the conversation turns to the day to day requirements of the artist’s activity on route to excellence. An example of this is “Rhythm is it” 2003 film by Thomas Grube and Enrique Sánchez Lansch to document the work of choreographer Royston Maldoom; who sets out to tell us the story of several youngsters within a group of 250 children and teenagers who have embarked on the preparation of a choreography to be performed to Stravinsky’s Le Sacre du Printemps and accompanied by the Berliner Philharmoniker. As Maldoom trains his pupils a beautiful story unfolds but the spectator can observe that some students work out of a common gymnasium with inadequate acoustics and flooring. At the same time another group prepares their part in a dance studio with excellent conditions. The attentive spectator cannot help wondering if the inadequate conditions of the first group have influenced their behavior, concentration and general lack of enthusiasm. In fact, these youngsters have been asked to behave like dancers when none of the conditions surrounding them suggest that they are anything but a group of ragtag adolescents embarking on an adventure. The outcome in spite of the setbacks is breathtaking, but only thanks to a tenacious and demanding choreographer. There is always room for a charismatic leader but I suggest that quality spaces and tools are an essential part of artistic excellence, and more easily attainable than charisma.
Parents

There are positive indicators that come from our evaluation process that show 50% of parents questioned “know about and are interested in the program”, and of those with this answer also answered 71% manifest interest in collaborating with the program in the future versus only a 40% interest in involvement with parent teacher organizations.[xiv]  Tapping into this enthusiasm should certainly evolve, with the use of creative and artistic methods. I can envision after school activities for parents taking place at the same time that activities are taking place for students, creating a sort of afternoon cultural center. Intergenerational theater groups and cultural excursions for the whole family on weekends. Creating safe and assuring environments for people to come together is not always easy within school systems where docents and administrators are overworked and are not easily available for after school activities. That is where external organizations and NGOs can help, but it is necessary to focus this apparent leisure activity within the context of the educational goals and not loose sight of the needed communication between all parts involved. We often assume that all of those actors involved are thinking consistently for the best for our children, but this is not enough to make a team that moves forward towards success. Negotiations and decisions will need to be made if a team is to come from all of this.
We need to increase those moments when parents become involved, they need to be invited, they need to have a say in what is to be done and they need to define their position and the way that they will choose to participate but this conversation needs to take place urgently (they are well overdue), and it is my understanding through experience will only start to yield results in a climate of cooperation and understanding that can be achieved through planned artistic experiences.
Just as we look for a space for a professional sort of visibility it is also important to take into account the layers a community directly or indirectly associated with the school. Administrators, neighborhood associations, for-profit companies in the neighborhood, city representation and autonomic representation.

Higher Education

Service Learning activities within the Yehudi Menuhin Foundation Spain have taken place for the past two years and we see indications that this is a positive start to achieving a permanent link to higher education. Service Learning, as we define it, is a space where instruction and training are intimately linked with experience first hand the power of social transformation through the arts with beneficiaries. Through instruction in how the arts can adapt to the MUS-E methodology and how we can apply basic pedagogical concepts, a creative worker can begin to adapt his experience to provide meaningful artistic experiences for children. The next steps would be to provide sufficient evidence to the Academic community that, there is, in fact, a need to prepare artists professionally to use these skills in a variety of educational spaces including community engagement, education, and activism. I would strongly recommend that universities partner with NGOs that have experience in this field. Within this format of collaboration there should be a renewal in the university arts community that recognizes the arts in a social or community context, which lead to rewarding careers in the arts and if they don’t prepare artists for these new fields these positions will be filled with specialists from other fields leaving once again the arts in a weakened state.

Scale

As a child of North America it is impossible for me to avoid comparison. In the past years I have been generally attracted to the work established by the Wallace Foundation and enamored in particular by the work of Big Thought in Dallas. I think most Texans would agree that we are taught to think big and the CEO of Big Thought, Gigi Antoni, has done just that.[xv] Ms Antoni has shared with me her thoughts on scale which require looking to arts management not as a one of a kind piece of artisanry, but in the same fashion as a multinational looks to embark a service throughout a defined market. For Big Thought, they have taken on the objective of providing all children of Dallas with quality arts experiences. This is being done through a citywide consortium that provides services through multiple organizations that makeup a community network, basically achieving a big step in the variety of the offerings and placing it under one roof, facilitating access for all. Although I was wary of such a large scale at first, I have come to be convinced that by emulating characteristics of big business, we are ensuring improved higher standards of quality, because it no longer hinges on how everyone felt at the end of the session but opens up our perspective to what objectives were obtained in the sessions and what tools will allow artist to improve their activity.

I would like to conclude by reviewing four issues that I have mentioned above, with a focus on the future. First of all we, as a collective, as an industry (I am referring to artist-educators) we need to be ambitious, others have discovered quickly the benefits of the arts and we need to be present on all levels of the decision making process in the future, to defend the use of arts and the needs linked to the creative process. We need to start thinking collectively about what we want arts education to look like in the future and what roles the arts will have as a pedagogical tool  20 years from now. I am referring to scale and the need for higher levels of financing from the private sector and improved collaboration among professionals. Collaboration and sectorial improvements will grow out of academic partnerships and an increase in coursework that generates skills related to delivering the artistic and creative experience to all sectors of society. I can envision that this will naturally eliminate stereotypes that hinder the artist’s participation in society and in formal and informal education at present.
As our participation in educational and social sectors grow, and with refined Higher education, we will need to recover lost ground claiming better funding for increased artistic quality. We will need to focus our evaluation and research on the effectiveness and benefits of MUS-E and similar methodologies with special attention to a more detailed understanding of how teaching partnerships work and improve the learning experience for children.

















[i] Art as Experience, John Dewey, p18
[ii] Birth: April 22, 1916 in New York, United States. Death: March 12, 1999 in Berlin, Germany
[iii] MUS-E is both the name for a methodology created by Menuhin in collaboration with both Werner Shmitd Director of the Conservatory in … and //// it is also the title of the program and network of european countries that impart the MUS-e program throughout the world. The MUS-E® programme was thought out in 1993 by the outstanding violinist and humanist Yehudi Menuhin (1916-1999) and took on practical shape thanks to the efforts of Werner Schmitt, head of the music school of the Bern Conservatory, in cooperation with Marianne Poncelet, Secretary General of the International Yehudi Menuhin Foundation. MUS-E® is inspired by the educational musical concept developed by Zoltán Kodály (1882-1967), a Hungarian composer, ethnomusicologist and teacher.
Kodály’s concept, circulated throughout Hungary, was that music should be part of daily education and be accessible to everyone. Zoltán Kodály encouraged all countries to know their own traditional culture. Yehudi Menuhin extended Kodály’s concept by adapting it to the realities of multiculturalism. While agreeing with Kodály about the importance of singing, he also insisted on the importance of movement, the various senses, the body and the imaginary world in the practice of art from different cultures.
http://www.menuhin-foundation.com/index2.php?option=com_yanc&act=archive&task=view&cid=76&Itemid=95&no_html=1
[iv] The other two foundations are: The Internacional Yehudi Menuhin Foundation established in 1991 and located in Brussels http://www.menuhin-foundation.com/ and the Yehudi Menuhin Stiftung Deutshland established in 1999,  http://www.ymsd.de/index.html  as well a network of MUS-E organiations can be accessed from any of the three foundation web pages.
[v] Mention must be made to Kodaly and his methodology for learning music which is well extended in eastern Europe, we must also give credit to Werner Schmid and XXX for their participation with Menuhin in developing the MUS-E methodology/philosophy.
[vi] Even before the term intercultural coexistence was coined, clearly Menuhin envisioned that the arts would be a primary factor in achieving this type of interaction
[vii] Mention a source to this issue.
[viii] Recomend book.
[ix] The data was wxtracted from the 2007/08 Evaluation Report for the MUS-E program in Spain. Fundación Yehudi Menuhin España.
[x] This argument noticeably ties in which the historic arguments and studies that have influenced art education for decades with Gardner’s multiple intelligences.
[xi] Notes from Fowler: The Correlation with Academic Achievement
The arts and Educational Excellence
Theme 1: The Arts can foster the development of students who are actively engaged in learning
Theme 2: The Arts contribute to the development of creative, committed, and exciting school culture of teachers, students and parents.
Theme 3: The Arts play a role in generating a dynamic, coordinated and cohesive curriculum.
Theme 4: The Arts can build bridges, to the larger community, the broader culture, and other institutions.
Theme 5: The Arts can humanize the learning environment
[xii] Please read Shollette’s 2002 essay HEART OF DARKNESS A Journey into the Dark Matter
of the Art World, http://www.gregorysholette.com/books/books_index.html
[xiii] http://www.soundfutures.org/
[xiv] Also extracted form the 07/08 Internal evaluation report of MUS-E Spain.
[xv] My ideas for the future of arts education have been particularly influenced by conversations that I was priviliged to have with Gigi Antoni CEO of Big Thought in Dallas, in october 2008.